Александровский сад

🎨 Михаил Врубель, Виктор Борисов-Мусатов и загадки русского символизма, которые продолжают волновать искусствоведов.

Что ещё могут рассказать произведения художников, чьи имена давно вошли в историю русского искусства?

Неизвестные страницы биографий, новые сведения об известных произведениях, неожиданные творческие связи. Даже спустя столетие русский символизм остаётся пространством для исследований и открытий.

Этим вопросам будет посвящена Международная научная конференция «Русский символизм: лидеры и последователи. К юбилеям М.А. Врубеля и В.Э. Борисова-Мусатова», которая состоится 16–18 ноября 2026 года в Москве, в Российской академии художеств.

Для проекта «Александровский сад» это событие имеет особое значение.

Автор концепции, куратор конференции и председатель организационного комитета, Ольга Сергеевна Давыдова, кандидат искусствоведения, член-корреспондент РАХ, ведущий научный сотрудник НИИ РАХ.

Её многолетние исследования творчества Михаила Врубеля легли в основу недавно вышедшей книги «Михаил Врубель. Жизнь в XXI веке. Неизвестное на фоне известного».

Проект «Александровский сад» выступает в числе информационных партнёров конференции.

🔎 О чём будут говорить искусствоведы?

Программа охватывает широкий круг вопросов, связанных с историей русского символизма, его художественными образами и влиянием на искусство последующих поколений.

Среди тем научных докладов:

• Новые сведения о пребывании Михаила Врубеля в Риме в 1891–1892 годах.

• Исследования художественного оформления московской гостиницы «Метрополь» и творчества Врубеля.

• Малоизвестные страницы жизни и творчества Виктора Борисова-Мусатова, в том числе исследования его картины «Терраса».

• Творческие связи Михаила Врубеля и Кузьмы Петрова-Водкина.

• Русский символизм и его отражение в искусстве последующих поколений.

Особое место в программе занимает доклад Ольги Сергеевны Давыдовой «Возрождение „Нового Кучук-Коя“: Михаил Врубель, Виктор Замирайло и Евгений Лансере на лепестках „Голубой розы“».

🌿 И ещё одно событие

В рамках конференции предусмотрена выставка «Творческие досуги Марии Смирновой (?–1916): художник-символист на фоне эпохи».

Произведения из частных собраний позволят обратиться к творчеству художницы, чьё имя сегодня известно далеко не каждому любителю русского искусства.

Три дня научных выступлений, исследований и обсуждений. Имена, хорошо знакомые ценителям искусства, и художники, наследие которых ещё ждёт внимательного изучения.

📍 Где и когда состоится конференция?

16 и 18 ноября: Москва, Российская академия художеств, ул. Пречистенка, 21, Белый зал.

17 ноября: Галерея искусств Зураба Церетели, ул. Пречистенка, 19, зал «Домовая церковь».

📖 Кто выступит на конференции? Какие произведения, художники и исследовательские вопросы вошли в научную программу?

Читайте подробности и полную программу Международной научной конференции «Русский символизм: лидеры и последователи» на сайте проекта «Александровский сад»: https://alex-grdn.ru/events/russkiy-simvolizm-lidery-i-posledovateli-k-yubileyam-m-a-vrubelya-i-v-e-borisova-musatova/

🌿 Можно ли написать картину по законам природы?

Почему Павел Филонов, один из самых необычных художников русского авангарда, интересовался ботаникой, физиологией и физикой?

Художник предлагал ученикам необычный способ изучения природы.

Например, изображая яблоню, нужно было понять, как её корни поглощают соки почвы, как они превращаются в кору, листья и цветы.

И попытаться передать эти процессы средствами живописи.

Филонова занимало внутреннее строение вещей, их развитие и превращение. Этот интерес стал важной частью его аналитического искусства.

В лекции 1923 года художник говорил:

«Творить — значит уметь делать, а делать можно только точно зная, что ты хочешь делать в каждом атоме делаемой картины».

Внимание к мельчайшим элементам, стремление понять устройство живой материи, интерес к научным открытиям начала XX века нашли отражение в его художественном методе.

Даже слово «формула» стало частью языка Филонова.

Посмотрите на его произведения. Сколько деталей можно обнаружить, если задержать взгляд на одном небольшом фрагменте?

Как связаны научные представления эпохи и необычный художественный мир Павла Филонова?

Эту тему исследуют искусствоведы Николетта Мислер и Джон Эллис Боулт в четвёртом фильме цикла «Герой и его судьба» — «Павел Филонов и точные науки».

🎬 Культурно-просветительский проект «Александровский сад» готовит фильм к выпуску.

Познакомиться с его содержанием можно уже сейчас:

https://alex-grdn.ru/courses/geroy-i-ego-sudba-shest-lektsiy-o-zhizni-i-tvorchestve-pavla-nikolaevicha-filonova/pavel-filonov-i-tochnye-nauki/

А вы замечаете в картинах Филонова сходство с природными формами?

🎨 Рерих, Врубель или Филонов: чью картину хочется рассматривать бесконечно?
Три художника, три произведения русского искусства и три совершенно разных мира.

Мы уже рассказывали об этих картинах. Сегодня предлагаем вернуться к ним и рассмотреть внимательнее.

1) 🌙 Николай Рерих. «Гонец. Восста род на род», 1897.

Ночной пейзаж, лодка, таинственные фигуры. Кажется, здесь разворачивается история, продолжение которой хочется узнать.

2) 🐚 Михаил Врубель. «Жемчужина», 1904.

Перламутровые переливы, причудливые линии, образы, которые постепенно проступают среди изгибов раковины. Каждый новый взгляд открывает ещё одну деталь.

3) 🔍 Павел Филонов. «Формула весны», 1928–1929.

Сотни мельчайших элементов складываются в сложную композицию. Глаза переходят от одного фрагмента к другому, и каждый раз обнаруживается что-то новое.

А теперь самое интересное!

Если бы у вас была возможность провести целый час перед одной из этих картин в музее, какую бы вы выбрали?

🗳 Выбирайте номер картины:

1) Рерих — «Гонец»

2) Врубель — «Жемчужина»

3) Филонов — «Формула весны»

Пишите номер и расскажите в комментариях, почему выбрали именно её. Интересно, какая картина соберёт больше всего голосов! ☺

🔍 Почему картины Павла Филонова похожи на кристаллы?

Приблизьте любую деталь его произведения.

Лица, фигуры, предметы словно состоят из множества мельчайших частиц. Одни формы просвечивают сквозь другие, линии пересекаются, а изображение становится всё сложнее.

Хочется рассматривать каждый сантиметр.

У Филонова был собственный метод создания картин, который он называл аналитическим искусством.

Художник стремился показать внутреннюю жизнь формы, её строение и развитие.

Отсюда удивительное ощущение прозрачности. Кажется, будто мы заглядываем внутрь живого организма или рассматриваем кристалл под увеличительным стеклом.

Именно этой особенности посвящён фильм «Павел Филонов и эстетика прозрачности» из цикла «Герой и его судьба».

🎬 Подробнее о фильме на сайте «Александровский сад»:

https://alex-grdn.ru/courses/geroy-i-ego-sudba-shest-lektsiy-o-zhizni-i-tvorchestve-pavla-nikolaevicha-filonova/pavel-filonov-i-estetika-prozrachnosti/

А что вы замечаете первым в картинах Филонова: целый образ или множество деталей?

Иконы, паломничества и русский авангард. Неожиданный Филонов 🎨
Его картины трудно спутать с работами других художников. Фигуры словно складываются из сотен мельчайших частиц, а за каждым фрагментом хочется разглядеть что-то ещё.

Но мало кто знает, насколько тесно творчество Павла Филонова было связано с православной традицией.

⛪ В 1907 и 1911 годах художник совершил два паломничества на Святую землю.

В дороге он писал иконы на продажу, а в Иерусалиме выполнил для монахов копию гравюры с изображением Распятия.

Около 1909 года Филонов создал икону святой великомученицы Екатерины для своей сестры.

Позднее появились произведения на библейские сюжеты: «Поклонение волхвов», «Святое семейство», «Бегство в Египет», «Голгофа».

Особенно интересна история картины «Крестьянская семья (Святое семейство)» 1914 года.

В советское время художник изменил её название. Почему?

И как религиозные образы оказались связаны с идеей «мирового расцвета», которая занимала важное место в творчестве Филонова?

В работах художника скрывается гораздо больше, чем можно заметить при первом взгляде.

🎨 Посмотрите на произведения, которые мы подобрали к публикации. Они позволяют проследить, как менялся художественный язык Филонова и какое место в его творчестве занимали религиозные и семейные образы.

Подробнее об этой стороне его жизни и творчества рассказывают искусствоведы Николетта Мислер и Джон Эллис Боулт в фильме «Павел Филонов и православный мир» из цикла «Герой и его судьба».

🎬 Познакомиться с фильмом можно на сайте «Александровский сад»:

https://alex-grdn.ru/courses/geroy-i-ego-sudba-shest-lektsiy-o-zhizni-i-tvorchestve-pavla-nikolaevicha-filonova/pavel-filonov-i-pravoslavnyy-mir/

А какая из картин Павла Филонова привлекла ваше внимание больше всего?

Что происходит, когда художник создаёт собственные законы живописи?
Недавно мы говорили о Михаиле Врубеле и о том, как его художественные поиски предвосхитили некоторые открытия искусства XX века.

Сегодня познакомимся с Павлом Филоновым, создателем аналитического искусства.

Филонов считал, что картина должна расти, как живой организм.

Он начинал с мельчайших деталей и постепенно создавал из них целый мир. Каждая частица изображения требовала кропотливой работы. Этот принцип художник называл «сделанностью».

Посмотрите на его «Формулу весны». Сколько здесь линий, цветов, пересекающихся форм! Кажется, что изображение продолжает меняться прямо у нас на глазах.

Но почему в картинах Филонова человеческие лица соседствуют с цветами и кристаллами?

И как ботаника, физиология и научные открытия помогали ему создавать собственную живописную вселенную?

Об этом рассказывают искусствоведы Николетта Мислер и Джон Эллис Боулт в цикле из шести фильмов-лекций «Герой и его судьба», посвящённом жизни и творчеству Павла Филонова.

🎨 Познакомиться с программой цикла можно на сайте «Александровский сад»:

https://alex-grdn.ru/courses/geroy-i-ego-sudba-shest-lektsiy-o-zhizni-i-tvorchestve-pavla-nikolaevicha-filonova/

Почему художник русского модерна, известный в Париже, оказался почти забытым на родине?

В конце XIX века произведения Фёдора Петровича Боткина вызывали споры среди художественных критиков. Его обвиняли в «декаденстве» и «странных капризах». При этом Сергей Дягилев стремился получить работы художника для своих выставок, где они оказывались рядом с произведениями Михаила Врубеля и других мастеров нового искусства.

Боткин происходил из знаменитой московской купеческой семьи, но значительную часть творческой жизни провёл во Франции. В Париже он сблизился с художниками группы «Наби», участвовал в выставках и развивал собственную декоративную манеру, связанную с европейским модерном, Art Nouveau.

Более пятнадцати лет художник посвятил поискам идеала «Вечной женственности». Женские образы стали одной из главных тем его живописи.

А затем началась совсем другая история. История его художественного наследия.

В 1919 году 219 полотен Фёдора Боткина были конфискованы и переданы в Государственный музейный фонд. Впоследствии произведения оказались в разных музейных собраниях страны.

Сегодня работы художника выявлены более чем в 30 музеях и пяти частных собраниях. Исследователи продолжают устанавливать историю картин, уточнять даты и находить архивные свидетельства.

Но почему имя Фёдора Боткина, художника, связанного с русским и европейским модерном, так долго оставалось в тени?

Об этом рассказывает искусствовед Ольга Сергеевна Давыдова в статье «Фёдор Боткин. Возвращение домой», опубликованной на сайте «Александровского сада» к 165-летию со дня рождения художника и 225-летию основания чаеторговой компании «Пётр Боткин и сыновья».

В статье вы найдёте историю жизни и творчества Фёдора Боткина, архивные документы, сведения о его картинах и результаты исследований, которые помогают заново открыть этого художника для истории русского искусства.

Читайте полную статью Ольги Сергеевны Давыдовой на сайте «Александровского сада»:

https://alex-grdn.ru/media/articles/fedor-botkin-vozvrashchenie-domoy-k-yubileynym-datam-v-istorii-roda-botkinykh/

А вы знали, что привычка фотографировать свой кофе имеет отношение к истории живописи? ☕️

Кажется, что селфи, фотографии еды и красивые виды из путешествий придумали социальные сети.

То, что сегодня мы снимаем на смартфон, художники изображали на своих полотнах столетиями.

Натюрморт, портрет и пейзаж. Три привычных жанра живописи неожиданно оказались удивительно современными.

Именно об этом выставка «Натюрморт. Портрет. Пейзаж. После жанра», которая открылась 15 октября в московском Доме культуры «ГЭС-2».

В экспозиции около 100 произведений более 80 художников. Среди них Рембрандт, Клод Моне, Казимир Малевич и Эрик Булатов.

А ещё здесь работает ИИ-гид, который помогает находить неожиданные связи между классическими картинами и современным цифровым миром.

🎨 Любопытная идея для пятницы и культурных планов на выходные!

Почему натюрморт стал языком рекламы? Что общего у старинного портрета и современного селфи? И как изменился пейзаж в цифровую эпоху?

Об этом рассказываем в статье на сайте «Александровский сад».

Читайте о выставке и знакомьтесь с её необычной концепцией 👇

https://alex-grdn.ru/events/vystavka-natyurmort-portret-peyzazh-posle-zhanra-kak-klassicheskie-zhanry-stali-tsifrovym-kontentom/

А что чаще всего попадает в объектив вашего телефона: люди, красивые виды или что-нибудь вкусное?

🎨 Как Врубель оказался впереди своего времени?

Посмотрите на три произведения: «Демон (сидящий)» (1890), «Жемчужина» (1904) Михаила Врубеля и «Импровизация 21а» (1911) Василия Кандинского.

Что между ними общего?

На первый взгляд, немного. У Врубеля мы видим узнаваемые образы, у Кандинского цвет и линии уже почти полностью освобождены от предметного мира.

Но присмотритесь к тому, как художники работают с формой, цветом и ритмом.

В книге «Михаил Врубель. Жизнь в XXI веке. Неизвестное на фоне известного» искусствовед Ольга Сергеевна Давыдова обнаруживает неожиданные параллели между художественными поисками Врубеля и мастеров XX века.

Автор пишет:

«Музыкальные принципы организации внутренней структуры абстрактных композиций [...] напрямую связывают формальные и визуально-поэтические открытия врубелевского модерна и символизма с утверждением нового понимания роли декоративного элемента».

Получается, некоторые художественные решения, которые мы привыкли связывать с авангардом, можно обнаружить у Врубеля значительно раньше.

И это лишь один из неожиданных ракурсов, с которых Ольга Сергеевна предлагает взглянуть на его творчество.

📖 Хотите познакомиться с книгой поближе? Переходите по ссылке и получите файл с материалами о книге, её содержании и иллюстрациях.

👉 https://vk.ru/app5898182_-217516219#u=2084901&s=4064636

А вы замечаете сходство между произведениями Врубеля и Кандинского?

Помните нашу загадку с фрагментом картины Николая Рериха? 🔎

Пришло время раскрыть её!

Перед вами «Гонец. Восста род на род» (1897).

Ночь. По тихой реке скользит лодка с двумя мужчинами. На берегу спит древнее городище. Его жители ещё не знают, какую весть везёт гонец.

А весть тревожная: соседний род восстал и готовится к войне.

Но у этой картины есть ещё одна интересная история.

Именно с неё начался творческий путь Николая Рериха. «Гонец» стал его дипломной работой в Академии художеств. В 1897 году картину представили на студенческой выставке, а позже она оказалась в собрании Третьяковской галереи.

Работая над полотном, молодой художник советовался с известным критиком Владимиром Стасовым. Они обсуждали даже такие детали, как устройство древнего славянского городка и облик людей в лодке.

Что означает загадочное слово «восста»? Какие детали древнерусского быта Рерих тщательно изучал перед работой над картиной? И почему именно «Гонец» стал особенным произведением в судьбе молодого художника?

Об этом рассказываем в статье на сайте «Александровский сад».

🎨 Переходите по ссылке и рассмотрите картину внимательнее: https://alex-grdn.ru/media/articles/opisanie-kartiny-nikolaya-rerikha-gonets/